Klangkosmos NRW / Schwebeklang auf der INSEL

Donnerstag // 22. Januar 2026 / 19:30 Uhr / Einlass: 19:00 Uhr

Neue Lyra Klänge aus Kreta

KURZFRISTIGE BESETZUNGSÄNDERUNG ➜

Leider ist Mayu Shviro kurzfristig erkrankt und kann aktuell nicht reisen und auftreten. Sie wird bei der Tour im Klangkosmos NRW im Januar 2026 durch Chrysanthi Gkika auf der Kemenche vertreten.

v.l. // Mayu Shviro – Cello / Kelly Thoma – Lyra / Foto © Ensemble

Kelly Thoma und Chrysanthi Gkika lernten sich im Labyrinth Musical Workshop auf Kreta kennen und arbeiten seit vielen Jahren zusammen. Sie präsentieren ein Repertoire zeitgenössischer modaler Kompositionen von Kelly Thoma, gespielt auf Kemenche und Lyra, beeinflusst von verschiedenen Musiktraditionen der Welt und mit Schwerpunkt sowohl auf Improvisation als auch auf einem kreativen Umgang mit alten Klängen. Ihre Bögen interagieren durch ihre außergewöhnliche Virtuosität und Musikalität in einem magischen Tanz aus Melodien und Rhythmen.

Der Begriff „zeitgenössische modale Musik“ wurde von Ross Daly geprägt und beschreibt die Gesamtheit zeitgenössischer Kompositionen, die heute von Musiker*innen geschaffen werden, die in verschiedenen modalen Traditionen arbeiten. Diese Musik ist die Fortsetzung des Verfahrens des modalen Komponierens aus einer sehr freien Perspektive und ist überhaupt nicht mit dem Ziel verbunden, „Traditionen zu bewahren“. Sie ist der zeitgenössische Ausdruck der Schönheit der Modalität, der phrasenorientierten nichtharmonischen Musik, die oft nichttemperierte Intervalle verwendet.

Besetzung

Kelly Thoma // Lyra

Kelly Thoma wurde 1978 in Piraeus in Griechenland geboren. Ab 1995 studierte sie Lyra bei Ross Daly auf Kreta und drei Jahre später nahm sie bereits an Konzerttourneen mit seinem Ensemble "Labyrinth" teil, die sie zu Konzerten in Europa, Asien, Australien und in die USA führte. Als Mitglied von "Labyrinth" und dem Labyrinth Musical Workshop hatte sie die Gelegenheit, viele renommierte Musiker*innen wie das Trio Chemirani, Ömer Erdoğdular, Derya Türkan, Zohar Fresco, Efrén López, Pedram Khavar Zamini, Dhruba Ghosh, Ballake Sissoko, Erdal Erzincan, Mehmet Erenler, Yurdal Tokcan, Mayu Shviro, Ustad Mohammed Rahim Khushnawaz und viele mehr kennenzulernen und mit ihnen zu spielen. Daraus entwickelte sie einen einzigartigen Klang und persönlichen Stil auf der Lyra sowie eine kreative Herangehensweise an traditionelle Musik. Sie nimmt an den meisten Projekten von Ross Dalys teil und ist seit 2008 Mitglied des Tokso Folk String Quartet mit Anne Hytta, Eleonore Billy und Sigrun Eng, die von nordischen Traditionen inspirierte Musik erforschen und kreieren.

Mit Ross Daly ist sie in der Carnegie Hall, im Theatre de la Ville in Paris, in der Queen Elizabeth Hall, im San Francisco WMF, im Rainforest WMF, bei Womadelaide, im Festival Rudolstadt und an vielen anderen Orten auf der ganzen Welt aufgetreten. Sie hat drei Alben mit ihren eigenen Kompositionen veröffentlicht: "Anamkhara" (2009), "7Fish" (2014) und "As Τhe Winds Die Down" (2018) und hat die Abteilung für Englische Literatur der Universität Athen sowie die Tanzschule "Rallou Manou" abgeschlossen.

Chrysanthi Gkika // Kemenche

Chrysanthi Gkika wurde in Athen geboren und kam schon früh mit griechischer Volksmusik und Volkstänzen in Berührung. Mit 13 Jahren begann sie, neben ihrem Studium der westlichen klassischen Musik und des Klaviers, die Lyra bei Stratis Psaradellis, Sokratis Sinopoulos und Derya Turkan zu studieren.

2014 setzte sie ihr Studium am Fachbereich Musik der Universität von Makedonien fort und spezialisierte sich auf das Lyra- und Kemenche-Spiel sowie auf griechische Volksmusik und Musik des östlichen Mittelmeerraums. Seitdem hat Chrysanthi mit renommierten Musikern und Ensembles aus Griechenland und international bei Konzerten und Studio-Aufnahmen zusammengearbeitet, darunter Ross Daly, Kudsi Erguner, George Kazantzis und das Nederlands Blazers Ensemble (NBE).

* Chrysanthi Gkika vertritt kurzfristig die leider erkrankte Mayu Shviro

Eine Veranstaltung von Schwebeklang e.V. in Kooperation mit der INSEL.

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Mehr Informationen

• Website des Klangkosmos NRW
• Website von Schwebeklang
• Website des Kelly Thoma & Mayu Shviro Duet

Schwebeklang auf der INSEL

22. Januar 2026 / 19:30 Uhr / Einlass 19:00 Uhr

Klangkosmos NRW / Schwebeklang auf der INSEL

Donnerstag // 27. November 2025 / 19:30 Uhr / Einlass: 19:00 Uhr

Flämische Lieder mit Melismen aus der Kulturmetropole Antwerpen

v.l. // Raphaël De Cock / Tristan Driessens / Harald Bauweraerts / Miriam Encinas / Foto © Laura Soriano

Toasaves ist ein faszinierendes Projekt aus Belgien, das Musiker*innen mit unterschiedlichem musikalischen Hintergrund unter der künstlerischen Leitung von Tristan Driessens zusammenbringt, der ein Spezialist für traditionelle flämische Lieder ist.

Toasaves bedeutet im Dialekt von Antwerpen "Heimathafen". Der Name ist für das Ensemble Programm: die Musiker beziehen ihre Inspiration aus den vielfältigen Einflüssen, die sich in der Geschichte der Stadt widerspiegeln. Antwerpen, Dockhafen an der Trichtermündung der Schelde und nach Rotterdam der zweitgrößte Hafen Europas. Schon früh war die Stadt ein globaler Treffpunkt für Händler, im 15. / 16. Jahrhundert eine der größten Städte der Welt, zeitweise die wichtigste Handelsmetropole Europas und traditionell wichtigster Diamantenhandelsplatz der Welt. Aber sie zog auch als feingeistige Kulturmetropole Maler wie Peter Paul Rubens an.

Und Antwerpen war auch die Heimat von Wannes Van de Velde (29. April 1937 – 10. November 2008), dem legendären flämischen Sänger, Musiker, Dichter, Puppenspieler und Volkskünstler, der dafür bekannt war, im lokalen Dialekt zu singen. Sein Vater, Jaak Van de Velde, war Metallarbeiter und talentierter Sänger, seine Mutter Hausfrau und Sängerin, sodass er zu Hause immer von Musik umgeben war. Er wuchs in der Nähe des Antwerpener Rotlichtviertels auf.

Wannes Van de Velde ist wichtige Inspirationsquelle für Tristan Driessens. Und so fragt er sich heute ganz im Sinne des Chronisten Wannes Van de Velde, was ein afghanischer Rubab-Spieler und ein sephardischer Geiger im Antwerpen des 15. Jahrhunderts angestellt haben könnten … und Toasaves geben die musikalischen Antworten! Mit ihnen atmen die alten flämischen Lieder die vielfältigen kulturellen Einflüsse von heute: mit Kreativität und Offenheit, mit Rahmentrommel, Laute und mikrotonaler Violine, mit Dudelsäcken, Drehleiern und mittelalterlichen Flöten, mit stilistischen Elementen aus afghanischen, korsischen, griechischen, türkischen und sephardischen Traditionen schafft das Ensemble eine faszinierende Welt. So bizarr das auch erscheinen mag, die Wirkung ist berauschend, und man kann nicht anders, als den treibenden Rhythmen, wechselnden Melodien und virtuosen Darbietungen immer tiefer zuzuhören, um herauszufinden, was zum Teufel los ist. Die Virtuosität der Musiker sorgt für eine spannende und wunderschöne Reise in eine vielleicht nicht ganz fiktive verlorene Welt.

Besetzung

Tristan Driessens // Lauten / künstlerische Leitung

Tristan Driessens entdeckte die Oud durch sephardische und arabisch-andalusische Musik. Von 2009 bis 2012 blieb er in Istanbul, um sich bei seinem Meister Necati Çelik zu verbessern. Zurück in Belgien erwarb er einen Master-Abschluss in türkischer Oud an der LUCA School of Arts und in Musikwissenschaft an der Université Libre de Bruxelles. Heute gilt er in Belgien als eine der wichtigsten Referenzen für die Oud und für klassische türkische Makam Musik. Er arbeitet mit Tcha Limberger, Derya Türkan, Kudsi Erguner und Emre Gültekin und war künstlerischer Leiter des Ensemble Refugees for Refugees.

Raphaël De Cock // Gesang / Dudelsack / Maultrommel

Raphaël De Cock ist Multiinstrumentalist, Sänger verschiedener traditioneller Stile und Teil belgischer und internationaler Musikprojekte. Zusammen mit Remi Decker gründete er die Formation Griff, in der er zahlreiche Dudelsäcke und Flöten spielt. Er singt und spielt die Gaita, den galizischen Dudelsack in den Ensembles Neboa und A Contrabanda. Mit dem Trio Osuna spielt er auch die sibirische Zither.

Harald Bauweraerts // Drehleier

Harald Bauweraerts ist ein musikalischer Alleskönner. Neben der elektroakustischen Drehleier begeistert er sich für alle Arten analoger Synthesizer, Effekte, Sequenzer und Perkussion. Er strebt eine harmonische Symbiose zwischen der analogen und digitalen Welt an, zwischen Akustik und Elektronik und zwischen Licht und Dunkelheit. Durch die Jahrhunderte, von einer Kultur zur anderen.

Miriam Encinas // Fiddel / Dilruba / mittelalterliche Flöten / Rahmentrommeln

Miriam Encinas wuchs in der Musikerfamilie von "Els Trobadors" und "L’Arc en el Cel" auf. Ihre Musikalität verbindet die Perspektive einer in einem traditionellen Musikumfeld aufgewachsenen Künstlerin mit der Strenge und Präzision ihrer akademischen Ausbildung. Sie studierte Blockflöte bei Sara Parés am Conservatori del Liceu in Barcelona. Später studierte sie Alte Musik bei Pedro Memelsdorff, Christian Curnyn und Pia Elsdorfer sowie Schlagzeug bei Pedro Estevan. 2001 begann sie, Viola de Gamba bei Cristian Sala zu studieren und seit 2013 Dilruba und afghanische Musik bei Daud Khan Sadozai. Sie hat mit Gruppen zusammengearbeitet wie Via Artis Konsor, Joi de Trobar, l’Ham de Foc und Ensemble l’Albera.

Eine Veranstaltung von Schwebeklang e.V. in Kooperation mit der INSEL.

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Schwebeklang auf der INSEL

27. November 2025 / 19:30 Uhr / Einlass 19:00 Uhr

Klangkosmos NRW / Schwebeklang auf der INSEL

Donnerstag // 23. Oktober 2025 / 19:30 Uhr / Einlass: 19:00 Uhr

Son Jarocho aus Veracruz

v.l. // Enrique Palacios Vega / Raquel Palacios Vega / Juan Domingo Rogel Fragoso / Amairani Flores Pitalua / Foto: Miguel Cicero

Die Gruppe ist eine traditionelle Son Jarocho Formation um die Geschwister Vega, die sich seit über 25 Jahren der Interpretation, Verbreitung und Förderung dieses Musikgenres widmen. Son Jarocho oder auch "Veracruz-Sound" ist ein regionaler Volksmusikstil des mexikanischen Son aus dem mexikanischen Bundesstaat Veracruz am Golf von Mexiko, der sich in den letzten zweieinhalb Jahrhunderten entlang der Küstenabschnitte entwickelte. Der Begriff "Jarocho" ist eine umgangssprachliche Bezeichnung für Personen oder Dinge aus der Hafenstadt Veracruz.

Son Jarocho kombiniert Elemente der indigenen Musik, der Barockmusik der spanischen Kolonialzeit (Fandango) und westafrikanische Musik von in die Karibik verschleppter Sklaven. Die Texte enthalten humorvolle Verse und kreisen um Themen wie Liebe, Natur, Seeleute und Viehzucht, die noch heute das Leben im Mexiko der Kolonialzeit und im 19. Jahrhundert widerspiegeln.

Sones Jarochos sind anders als ein "Lied", das sich bei jedem Spielen verändert. Obwohl sie einem allgemeinen Rahmen folgen, werden die Melodien, Rhythmen und Verse aus einer breiten Palette von Optionen gezogen und daher jedes Mal neu arrangiert und improvisiert. So improvisieren die Sänger*innen oft Verse oder tauschen traditionelle Texte mit neuen humorvollem oder gewagtem Inhalt aus und benutzen immer wieder den hohen Falsettgesang, der wahrscheinlich indigenen Ursprungs ist.

Es gibt mehr als 150 Sones allein aus der Son-Jarocho-Tradition, jedes mit Hunderten, wenn nicht Tausenden verschiedener Verse, und jeden Tag werden neue geschrieben.

Im Son Jarocho ist auch das Zusammenspiel der Saiteninstrumenten charakteristisch. Die typischen Instrumente des Son Jarocho wie Jarana, Requinto, Leona sind unverzichtbar bei jedem Volksfest im Süden von Veracruz. Aus ihnen sprudeln die Klänge des Lebens wie aus einer nie versiegenden Wasserquelle. Die Leona ist ein gitarrenförmiges viersaitigens Instrument mit tiefem Klang aus der Familie der Son-Jarocho-Saiteninstrumente. Sein Korpus ist traditionell aus einem einzigen Stück Zeder geschnitzt, wird anschließend ausgehöhlt und mit einer separaten Resonanzdecke abgedeckt. Aber auch in Momenten der Ruhe überraschen diese besonderen Resonanzkörper der Zupfinstrumente, auf denen ewige Melodien erklingen, begleitet durch Gesang, die Kunst des Zapatero und dem Klang der Tamburine Punteador und Pandero.

Die Familie Vega aus Boca de San Miguel, Tlacotalpan, Veracruz gehört seit fünf Generationen zu den wichtigsten Hütern der Tradition für den Stil des Son Jarocho. Ihre Musik ist geprägt durch die feine Balance zwischen lokaler kultureller Wurzeln, familiärem Erbe, musikalischer Exzellenz und immenser Bühnenerfahrung, die sie bei zahlreichen Kultur- und Kunstfestivals im In- und Ausland von China, den USA bis nach Kanada unter Beweis gestellt haben.

Raquel Palacios Vega ist eine herausragende Sängerin und Jaranera-Spielerin und repräsentiert in der fünften Generation eine der bedeutendsten Familien des Son Jarocho. Derzeit gilt sie als eine der besten Interpretinnen dieses Genres. Über zwanzig Jahre trat sie mit der Gruppe Los Vega auf und hat an zahlreichen anderen Musikprojekten wie Los Utreta, Son de Madera, Caña Dulce und Caña Brava mitgewirkt. Enrique Palacios Vega, besser bekannt als "Quique", ist bekannt für seinen eindrucksvollen Auftrittsstil, der ihn zu einem begehrten Musiker bei verschiedenen Musikprojekten gemacht hat. Wie seine Schwester Raquel trat er über 20 Jahre mit der Gruppe Los Vega auf und mit den Gruppen Quemayama, Los Utrera, Patricio Hidalgo und Afrojarocho.

Das kongeniale Geschwisterpaar Vega wird von zwei talentierten jungen Musikern begleitet.

Besetzung

Raquel Palacios Vega // Gesang / Jarana / Perkussion / Zapatero

Enrique Palacios Vega // Gesang / Requinto / Punteador / Leona / Perkussion / Zapatero

Amairani Flores Pitalua // Gesang / Jarana / Perkussion / Zapatero

Juan Domingo Rogel Fragoso // Cajon / Pandero / Saxophon / Flöten / Perkussion

Eine Veranstaltung von Schwebeklang e.V. in Kooperation mit der INSEL.

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Schwebeklang auf der INSEL

23. Oktober 2025 / 19:30 Uhr / Einlass 19:00 Uhr

Klangkosmos NRW / Schwebeklang auf der INSEL

Donnerstag // 25. September 2025 / 19:30 Uhr / Einlass: 19:00 Uhr

Gaelische Folk Songs aus Wales

v.l. // Ceri Rhys Matthews & Jess Ward / Foto: Kim Mader;

KURZFRISTIGE BESETZUNGSÄNDERUNG:
Leider hatte Julie Murphy einen Unfall und kann aktuell nicht reisen und auftreten. Sie wird bei der Tour im Klangkosmos NRW im September 2025 durch Jess Ward vertreten.

Besetzung

Ceri Rhys Matthews
Hölzerne Konzertflöte / Pibgorns / Pastoral Pipes / Gitarre

Als junger Mann machte Ceri Rhys Matthews eine künstlerische Ausbildung in Malerei, die als Blaupause für sein Leben und seine weiteren Arbeiten diente. Nach und nach wurde der Pinsel durch andere Instrumente ersetzt. Mit seiner Musik feiert er seit dem das Leben ganz normaler Menschen und die Erinnerungen an bereits verstorbene Personen, indem er ihrer überlieferten Kunst nachspürt und sich für seine eigenen Arbeiten inspirieren lässt. In den letzten dreißig Jahren hat er sich so durch das kollektive walisische Gedächnis von Klangmustern sowie durch viele Biographien gearbeitet, die er als Choreografie und soziale Skulptur des Lebens betrachtet.

Er spielt ein Pibgorn in D, ein Dudelsack von John Glennydd aus Llanfihangel-ar-Arth, der eine Oktave Tonumfang hat und den er mit Wachs in verschiedene Modi stimmen kann. Darüber hinaus spielt er die hölzerne Konzertflöte im Rudal Rose-Stil von Dave Williams aus Grimsby und Gitarre.

Ceri Rhys Matthews hat über 25 CDs aufgenommen, spielt als Solomusiker, mit der Band Fernhill, die er 1995 gegründet hat sowie im Duo mit Julie Murphy.

Jess Ward
Gesang / Geige // statt Julie Murphy

Jess Ward ist Sängerin, Songwriterin, Musikerin auf der keltischen Harfe und Geigerin aus Pembrokeshire in West-Wales. Sie tritt seit vielen Jahren Solo, mit dem Trio Brig y Don, im Duo mit der Geigerin Holly Robinson und mit Ceri Rhys Matthews auf. Sie ist tief verwurzelt in der walisischen Musik und eine bekannte Musikerinnen-Persönlichkeit der Folk-Szene auf traditionellen Festivals in Wales und weit darüber hinaus. Seit 2014 hat sie vier eigene CDs veröffentlicht, zuletzt 2023 “In Spiritum Sanctum – Garland of Grace“ mit Liedern zu Sprichwörtern, die die Weisheit der Frauen feiern.

Neben den Konzerten gibt sie regelmäßig Tanzkurse, ist als Callerin für Folk Tänze aktiv, und wenn sie nicht gerade ein Instrument spielt oder singt, ist sie mit ziemlicher Sicherheit immer die Erste, die den Tanz beginnt.

Durch langjährige Kooperation und künstlerischer Freundschaft ist sie exzellent vertraut mit dem besonderen walisischen Repertoire, das sie gemeinsam mit Ceri Rhys Matthews spielen wird.

Eine Veranstaltung von Schwebeklang e.V. in Kooperation mit der INSEL.

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Schwebeklang auf der INSEL

25. September 2025 / 19:30 Uhr / Einlass 19:00 Uhr

Klangkosmos NRW / Schwebeklang auf der INSEL

Donnerstag // 12. Juni 2025 / 19:30 Uhr / Einlass: 19:00 Uhr

Kreolische Inselmusiken

v.l.// Sarasvati Mallac / Christine Salem / Percy Yip Tong / Bosco Rakoto / Eliasse Ben Joma // Montage / Zara Gayk

Vier Künstler*innen der Inseln Madagaskar, Komoren, Mauritius und La Réunion im westlichen Indischen Ozean werden gemeinsam ein besonderes Konzertprogramm präsentieren: jede*r der Musiker*innen des Quartetts ist eine starke Stimme für den Schutz der Natur und für nachhaltige Entwicklung in diesem bedeutenden Kulturraum mit seiner Vielfalt an Musikstilen, kreolischen Sprachen und Instrumenten. Ihre Aktivtäten werden im Spannungsfeld des Kolonialismus hier und dort von ihnen betrachtet und gewinnen durch die Aktualität des Repertoires neue Bedeutung. Und auch die Bedrohung durch die akute Klimakrise hat auf den Inseln und in den großen, fragilen Meeres- und Ufergebieten höchste Brisanz, da der Reichtum an endemischen Pflanzen und Tieren stark bedroht ist und den Alltag der Menschen dramatisch bestimmt.

Das Quartett erarbeitet in oraler Tradition und kollektiv neue Musikstücke, die sie für das gemeinsame Spiel auf ihren fast 20 verschiedenen Instrumente arrangieren. Zu diesen Musiken werden von ihnen eigene originale Texte zu aktuellen Themen der Inseln, insbesondere zu den Folgen des Klimawandels und des Kolonialismus geschaffen, die auch die ethnische und spirituelle Perspektiven-Vielfalt der Musiker*innen widerspiegeln: Elemente indischer, chinesischer, afrikanischer, arabischer und europäischer Einflüsse werden zu hören sein. Man betet dort zu Christus, Allah, Shiva, Heiligen und Göttern, deren Rituale musikalische Referenzen sind. Gespielt wird Sega, der Blues des indischen Ozeans, aber auch Maloya, Musik aus dem Hochland Madagaskars, Twarab, Mgodro, Shigoma und vieles mehr.

Es gibt ein Wiedersehen mit Rakotonirina Jean a.k.a. Bosco aus Madagaskar, der 2013 mit seinem Sammy & Bosco Trio im Klangkosmos zu Gast war. Und auch Eliasse Ben Joma von den Komoren hat bereits 2013 mit dem Trio Elisouma einen bleibenden Eindruck in NRW hinterlassen. Die künstlerische Leitung des Quartett liegt bei Percy Yip Tong aus Mauritius, der einer der wichtigsten Botschafter und kreativen Köpfe kreolischer Musik des indischen Ozeans weltweit ist und in den letzten 10 Jahren hier in Europa zahlreiche Einblicke in die Vielfalt der Musikkulturen dieses Kulturraum ermöglicht hat. Ergänzt werden diese drei Heroen durch zwei ebenso eindrucksvolle Frauen und Multi-Instrumentalistinnen: Sarasvati Mallac aus Mauritius und die große Christine Salem vom französischen Übersee-Territorium La Reunion.

Besetzung

Rakotonirina Jean a.k.a. Bosco Rakoto
// Sodina / Sodinabe / Kabosy / Jejyvoatava / Jejylava / Valiha / Gesan

Sarasvati Mallac
// Ravanne / Nridringum / Shruti / Harmonium / chinesische Erhu / Gesang

Christine Salem
// Kayamb / Rouleur / Gesang

Eliasse Ben Joma
// Gitarre / Garando / Goma / Dzendze / Gesang

Percy Yip Tong
// Musikalische Leitung

Eine Veranstaltung von Schwebeklang e.V. in Kooperation mit der INSEL.

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• PDF mit Biografien der Künstler*innen // 1.399 KB
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Schwebeklang auf der INSEL

12. Juni 2025 / 19:30 Uhr / Einlass 19:00 Uhr

Klangkosmos NRW / Schwebeklang auf der INSEL

Donnerstag // 15. Mai 2025 / 19:30 Uhr / Einlass: 19:00 Uhr

Mystischer Folk und Balladen aus dem Land der Feen und Vulkane

Alexandra Kjeld / Guðbjörg Hlín Guðmundsdóttir / Guðbjörg Hlín Guðmundsdóttir / Arngerður María Árndóttir / v.l. // Umbra / Island

Das isländische Ensemble Umbra wurde 2014 von vier Musikerinnen gegründet, die eine Leidenschaft für alte und neue Musik verbindet: Von Anfang an bestand ihre Vision darin, eine eigene Musikwelt mit einem unverwechselbaren Klang und der Verbindung von alter, traditioneller und neuer Musik zu schaffen. Das Repertoire des Ensembles umfasst spirituelle und weltliche mittelalterliche Melodien aus Island sowie traditionelle Lieder, die nach den Originalarrangements des Ensembles aufgeführt werden. Darüber hinaus haben sie isländische zeitgenössische Musik von einigen der bedeutendsten Komponisten des Landes aufgeführt. Umbra (= Insel) wurde von Kritikern als "eine der interessantesten Ensembles" Islands gefeiert, das vor allem für den musikalischen Ehrgeiz und für "herausragende Arrangements" im Bereich alter und traditioneller Musik gerühmt wird.

Das Ensemble hat eine eigene musikalische Klangwelt mit klaren und einzigartigen Tönen und Melodien geschaffen. Es lässt sich von verschiedenen Quellen inspirieren: von historischen Tonbandaufnahmen von Iðunn aus dem Archiv der isländischen Rímur-Gesellschaft und aus dem Isländischen Nationalmuseum wie auch von Aufnahmen aus dem Árni-Magnússon-Institut, von Privatsammlungen, der Volksliedsammlung von Reverend Bjarni Þorsteinsson oder auch von Vésteinn Ólasons Buch über Volksballaden.

Es liegt in der Natur von Volksliedern, dass sie von einer Person zur anderen weitergegeben werden, sodass man mit Sicherheit davon ausgehen kann, dass sie sich während dieses Prozesses der Weitergabe durch verschiedene Interpreten verändert haben, bevor sie in zahlreichen schriftlichen und anders aufgezeichneten Quellen eine materiellere Form annehmen. Vor diesem Hintergrund betrachtet das Ensemble Umbra die Quelle als dynamischen Speicher der Erinnerung, die sie auf eigene Art und Weise gestalten.

Dabei nimmt Umbra das Publikum mit ihren bekannten und unbekannten Liedern auf eine transzendente musikalische Reise durch dunkle Wintertage mit. Aber sie nehmen auch die Rolle und die Erfahrungen von Frauen musikalisch ins Visier, obwohl es nur wenige Quellen gibt. Auf der Suche nach Quellen stieß die Gruppe auf den alten Rat der Walküre Sigurdrífa, wie man magische Runen einsetzen kann, um – unter anderem – Frauen zu helfen, die unter Geburtswehen leiden, oder um die Liebe eines anderen zu gewinnen. Und so hat das Ensemble neue Stücke komponiert, die ausgewählte Kapitel aus der Walküre thematisieren.

Sie haben Gedichte aus verschiedenen Epochen vertont – vom 13. bis ins 19. Jahrhundert. Alle Dichter beleuchten Erfahrungen, die das isländische Klima, die ländlichen Gebiete, die gewaltigen Kräfte der Natur oder die Auswirkungen von Traumata widerspiegeln, die über Generationen hinweg vererbt werden. Es gibt Gedichte, die tiefgreifende Erfahrungen von Frauen sowie die Nöte in der isländischen Natur und Kultur beleuchten, immer aber ein Gefühl von unerschütterlicher Beharrlichkeit, Hartnäckigkeit, Tatendrang, Unerschrockenheit und Befreiung. Dies sind Runen der Erlösung.

Umbra recherchiert, arrangiert und spielt nicht nur Musik. Sie haben auch eine Leidenschaft dafür, ihr Wissen zur Musik und ihre Arbeitsmethoden in Workshops weiterzugeben, insbesondere über das Erbe der isländischen Volksmusik.

Umbra ist auf zahlreichen Konzerten und Festivals in ganz Island und Europa aufgetreten. Ihr erstes Album "Out of Darkness" wurde Anfang 2018 vom unabhängigen Musiklabel Dimma veröffentlicht, später im selben Jahr folgte ihr zweites Album "Solstitium", das bei den Icelandic Music Awards 2018 als CD des Jahres ausgezeichnet wurde. Das dritte Album der Gruppe "Llibre vermell" erschien 2019 und wurde ebenfalls für den IMA nominiert. Das neueste Album "Bjargrúnir" präsentiert isländische Volkslieder und Balladen und wurde 2022 veröffentlicht.

Besetzung

Alexandra Kjeld
// Kontrabass / Gesang

Arngerður María Árndóttir
// keltische Harfe / Gesang

Guðbjörg Hlín Guðmundsdóttir
// Violine / Gesang

Lilja Dögg Gunnarsdóttir
// Solo Gesang / Perkussion / Flöten

Video / Umbra

Eine Veranstaltung von Schwebeklang e.V. in Kooperation mit der INSEL.

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Schwebeklang auf der INSEL

15. Mai 2025 / 19:30 Uhr / Einlass 19:00 Uhr